Venise - La Collection Peggy Guggenheim

Marguerite « Peggy » Guggenheim (1898-1979) était une mécène américaine, collectionneuse d'art moderne et galeriste,  

Autodidacte en art moderne, elle avait appris, avec des amis comme Marcel Duchamp ou Jean Cocteau, à apprécier l'art abstrait dont elle a ensuite fait la promotion, avec beaucoup de discernement, allant à l'encontre même de son oncle, Solomon Guggenheim, qui mit du temps avant de reconnaître la valeur de ses acquisitions.

Elle ouvrit une galerie à Londres sous le nom de "Guggenheim Jeune", encourageant les artistes alors peu connus. Pendant la Seconde Guerre mondiale, usant du prestige de son nom et de sa nationalité américaine, elle sauva un grand nombre d'artistes pour lesquels elle obtint de faux papiers et finança leur passage aux États-Unis. 

Son nom reste lié au musée qu'elle a fondé à Venise sur le Grand Canal, la Collection Peggy Guggenheim dans le palais Venier dei Leoni, sa dernière résidence. 

Peggy Guggenheim disait : « J'ai dédíé ma vie à ma collection [...] Je ne suis pas une collectionneuse d'art, je suis un musée. »

Venue à New York,  pour l'inauguration du musée de son oncle Solomon, elle fut effarée par la tournure commerciale que le mouvement artistique américain avait prise et porta dans son autobiographie un jugement sévère sur le nouveau «monde de l'art».

Elle avait ouvert sa collection au public dès 1951. Après son décès, en 1979, le palais fut réaménagé en musée moderne minimaliste. 

Egidio Costantini, fondateur de la Fucina degli Angeli, réalisa vingt-trois sculptures d'après des dessins de Pablo Picasso en 1964.

Peggy Guggenheim reconnut l'originalité du travail de Costantini et le soutint financièrement dans sa tentative de sauver son atelier lorsqu'il fut contraint de le fermer. En 1969, elle écrivit : « Costantini […] est la seule personne à Venise, depuis le 18e siècle, à produire des sculptures en verre véritablement artistiques. Cela me rend heureuse et je me réjouis de chacun de ses succès ».

Peggy Guggenheim, adolescente, accompagnait régulièrement sa mère Florette lors de voyages en Europe, se rendant souvent en Angleterre, où vivaient des membres de sa famille. 

De 1934 à 1939,  elle vécut à Yew Tree Cottage, à la frontière entre le Hampshire et le Sussex, où ses enfants, Pegeen et Sindbad, fréquentèrent des écoles locales progressistes. Dans un entretien accordé en 1976, elle fit le bilan de sa vie, en déclarant : « Je suis amoureuse de Venise depuis cinquante ans. Si je ne vivais pas ici, je vivrais dans la campagne anglaise. »

En 1937, Peggy Waldman, une amie de Guggenheim, inspira peut-être son projet en l'encourageant à se lancer dans «une activité sérieuse… comme diriger une galerie». Tout au long de l’existence de la galerie Guggenheim Jeune à Londres, la maison de campagne est restée la résidence de la collectionneuse.  Elle y invitait les artistes qui exposaient dans sa galerie, 

En décembre 1938, Peggy Guggenheim présenta dans sa galerie londonienne l'exposition de Noël consacrée aux peintures, sculptures, masques, poupées-portraits et objets décorés de Marie Vassilieff.

Figure centrale de l'École de Paris, l'artiste russe Vassilieff développait une pratique hybride qui brouillait les frontières entre les beaux-arts, l'artisanat et le design.

Au début des années 1910, elle fonda l'Académie Marie Vassilieff à Montparnasse, qui fut ensuite transformée en cantine, pendant la Première Guerre mondiale, devenant un lieu de rencontre pour les artistes et les écrivains, parmi lesquels Guillaume Apollinaire, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso.

Sa longue amitié avec Jean Cocteau a joué un rôle déterminant dans l'organisation de son exposition personnelle au Guggenheim Jeune. 

S'inscrivant dans la continuité d'une précédente exposition à Londres, elle offrait au public britannique une occasion rare de découvrir toute l'étendue de l'œuvre inventive de Vassilieff. Elle réunissait une vingtaine de peintures et de sculptures, ainsi que ses personnages artisanaux caractéristiques, allant de poupées-portraits intimistes à des marionnettes de plus grande taille, et des masques représentant des icônes comme Joséphine Baker et Marlene Dietrich.

Réalisées à partir de tissu, de carton, de fil de fer et de matériaux innovants tels que le celluloïd (rhodoïd), ces œuvres exploraient avec fantaisie les thèmes de l’identité et du genre. Vassilieff a également présenté des objets à porter ou décoratifs, notamment des chapeaux en celluloïd, des ceintures, des étuis à cigarettes peints et des figurines fantaisistes, dont beaucoup ont été exposés pour la première fois lors de l’Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne » de 1937, à Paris.

L'exposition de Vassilieff reçut des critiques élogieuses dans plusieurs médias. Les critiques soulignaient la combinaison saisissante d’esprit et de présence réaliste qui caractérisait ses œuvres. L’un d’entre eux rapporta que Peggy Guggenheim elle-même portait, lors du vernissage, un chapeau rose en celluloïd signé Vassilieff.

Aujourd’hui, l’œuvre de Vassilieff suscite un regain d’intérêt en raison de ses matériaux expérimentaux, de sa pratique interdisciplinaire et de sa remise en cause des hiérarchies qui ont longtemps séparé l’art du design et de l’artisanat.

Je me demande comment je n'avais pas encore croisé l'oeuvre de cette artiste !

Marie Vassilieff créait des marionnettes pour plusieurs troupes de théâtre expérimental françaises. En 1927, elle rejoignit la troupe fondée par le compositeur Claude Duboscq, dont les productions alliaient une musique novatrice à une scénographie d'avant-garde.

Au sommet de sa réussite artistique, Vassilieff réalisé ces marionnettes, dont certaines s’inspiraient de thèmes religieux et allégoriques, notamment saint François d’Assise, sainte Claire d’Assise et le Diable.

Elle expérimentait une grande variété de matériaux, les combinant de manière originale pour créer des personnages saisissants, néanmoins espiègles.

En 1938, Peggy Guggenheim organisa l’Exposition de sculpture contemporaine à la galerie Guggenheim Jeune, un événement marquant pour l’acceptation de la sculpture moderne en Grande-Bretagne. À une époque où les formes non figuratives suscitaient encore le scepticisme, cette exposition fit découvrir au public les nouveaux langages sculpturaux qui émergeaient à travers l’Europe et en Grande-Bretagne. Elle confirma le rôle de Peggy Guggenheim en tant que défenseuse incontestable de l’art d’avant-garde, à un moment où les principales institutions londoniennes restaient largement conservatrices à l’égard de l’avant-garde.

L'exposition réunissait trente-six œuvres de huit artistes, dont Jean Arp, Henry Moore et Sophie Taeuber-Arp. Marcel Duchamp joua un rôle crucial en aidant en organisant l'expédition des œuvres depuis Paris, tandis qu'Arp participait à l'installation. Pour de nombreux visiteurs, ce fut leur première rencontre avec une sculpture qui rejetait la représentation traditionnelle au profit de formes abstraites.

Avant même son ouverture, l’exposition fut au cœur d’une polémique publique. En vertu de la loi britannique de 1932 sur les droits d’importation, les pierres et sculptures importées étaient soumises à une taxe à moins d’être officiellement certifiées comme  œuvres d’art. Lorsque le directeur de la Tate Gallery refusa de reconnaître comme telles les œuvres devant être exposées au Guggenheim Jeune, les douanes les retinrent temporairement. Le différend qui s’ensuivit fut largement relayé par la presse et fit l’objet de débats au Parlement, avant de se conclure finalement en faveur de Guggenheim.

La publicité qui en résulta attira un nombre record de visiteurs, bien qu’aucune œuvre n’ait été vendue. Peu après, Guggenheim acheta la sculpture en bronze de Moore intitulée Reclining Figure, exposée ici.

En juin 1939, Guggenheim Jeune présenta l’une des expositions de gravures les plus marquantes organisées à Londres avant la guerre.

Elle fit découvrir au public britannique une approche radicalement expérimentale
de la gravure qui remettait en question les frontières entre le support, la méthode et l’expression moderniste. 

Stanley William Hayter fonda l’Atelier 17, connu en anglais sous le nom de Studio 17, à Paris en 1927. Véritable pôle de la gravure expérimentale qui devint une force révolutionnaire dans les arts graphiques, le Studio 17 attira des figures majeures telles qu’Alexander Calder, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, Nina Negri et David Smith.

L'Exposition d'Art abstrait et concret s'était tenue à la galerie Guggenheim Jeune du 11 au 27 mai 1939. Il s'agissait d'une exposition novatrice présentant quarante-cinq œuvres de vingt-trois artistes internationaux, mettant en avant un large éventail d'approches de l'abstraction à travers la peinture, la sculpture, le relief et le collage.

Parmi ces artistes figuraient Jean Arp, Theo van Doesburg, Otto Freundlich, Naum Gabo, Jean Hélion, Barbara Hepworth, Alberto Magnelli, Piet Mondrian, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo, et Paule Vézelay, partageaient la même conviction quant au potentiel expressif de la forme pure.

Pour de nombreux visiteurs, cette exposition était leur première rencontre avec le mouvement abstrait international. Elle se tenait à une époque où l’idée même d’abstraction était encore considérée comme radicale. Les questions de nationalité, d’exil et de persécution avaient entraîné des changements dans le paysage idéologique et philosophique des artistes.

Dans ce contexte, la participation d’artistes qui étaient soit des émigrés (comme Gabo et Mondrian) vivant à Londres et à Paris, soit considérés comme "dégénérés" comme dans le cas de Freundlich par le régime nazi, revêtait une forte connotation politique. Les relations et les amitiés de Peggy Guggenheim avec plusieurs artistes, tels qu’Arp et Taeuber-Arp, ont permis d’assurer leur présence dans l’exposition.

En 1938 à Londres, Marcel Duchamp avait présenté Mondrian à Peggy Guggenheim à Londres peu après avoir fui Paris pour l'Angleterre. Par la suite, la peinture abstraite composée de lignes verticales et horizontales, intitulée Composition No. 1 with Grey and Red, 1938/Composition with Red, 1939, fut non seulement incluse dans l’exposition, mais également acquise par Guggenheim pour sa collection.

Peggy Guggenheim soutint aussi activement Otto Freundlich, un artiste allemand d’origine juive vivant à Paris, et milita pour que son art soit exposé à Londres, en incluant plusieurs de ses œuvres dans l’exposition.

En juin 1939, Peggy Guggenheim invita la photographe franco-allemande Gisèle Freund à présenter ses portraits en couleur novateurs lors d’une soirée d’adieu marquant la fermeture de la galerie Guggenheim Jeune.

Marcel Duchamp encouragea Gisèle Freund, qui avait fui l’Allemagne nazie en 1933, à rencontrer Peggy Guggenheim. Celle-ci invita la photographe franco-allemande à présenter ses portraits en couleur novateurs lors d’une soirée d’adieu marquant la fermeture de la galerie Guggenheim Jeune.

Le bail avait pris fin, et Peggy Guggenheim préparait un nouveau projet avec son conseiller, l’historien d’art britannique Herbert Read, visant à fonder un musée d’art moderne à Londres.

Les photographies furent projetées sous forme de diapositives grand format et présentées en rotation tout au long de la soirée, donnant vie à ces personnalités et offrant aux invités une rencontre intime avec les milieux créatifs européens.  

C'était une très agréable visite que je clôture au café du musée par l'art de l'assiette avant de reprendre mon chemin, en quête de l'église San Nicolò dei Mendicoli.